Un logo de qualité n’est peut-être pas la première chose qui vient à l’esprit lorsque l’on pense à un groupe de musique, mais ça ne devrait pas être la dernière pour autant. Les groupes les plus connus ont tous quelque chose en commun : un logo instantanément reconnaissable et inoubliable qui est devenu un symbole de leur musique et de leur image. Dans cet article, nous aborderons l’histoire des logos musicaux et les raisons pour lesquelles il est important pour les musiciens d’avoir un branding musical de qualité. Nous nous pencherons également sur certaines collaborations créatives récentes entre les designers de notre communauté internatioanle et des musiciens en herbe, afin de voir comment ces deux types d’artistes se rejoignent pour créer des représentations visuelles de la musique.

Une brève histoire des logos musicaux

Les logos de groupes de musique n’ont pas toujours été aussi importants qu’ils ne le sont aujourd’hui. Après tout, ce qui compte, c’est la musique elle-même et la façon dont les musiciens évoluent à chaque nouvel album. Auparavant, la plupart des musiciens devaient compter sur le nom de leur groupe uniquement, ou sur leur identité et leur personnalité pour se démarquer et être reconnus par leurs fans. Ce n’est que dans les années 70 que les logos de groupes de musique ont commencé à prendre de l’ampleur.
C’est au cours des années 70 que sont apparus certains des logos musicaux les plus reconnaissables et les plus mémorables : le lettrage décalé et unique de Led Zeppelin, la police sans serif épaisse et géométrique d’AC/DC et le sceau présidentiel américain utilisé sur le logo des Ramones, pour n’en citer que quelques-uns. Tous ces logos reflètent la personnalité, le style et l’identité musicale de ces groupes. Aujourd’hui encore, ces groupes et leurs logos sont aussi emblématiques qu’à leurs débuts.

Ramones logo
Design de logo via Ramones
AC/DC logo
Design de logo via AC/DC
Led Zeppelin logo
Design de logo via Led Zeppelin

Ce qui a vraiment fait grandir l’importance des logos musicaux, ce sont les groupes de métal. Le métal n’est pas seulement un genre musical, c’est aussi une esthétique et un rejet des tendances mainstream du moment. C’est toute une époque de logos qui se démarquent et capturent l’identité musicale associée au genre par le design. Il y a des polices de caractères pointues et anguleuses, des traits gras et épais, et une imagerie pour le moins sombre.

KISS band logo
Design de logo via KISS
Metallica logo
Design de logo via Black Sabbath
Design de logo via Black Sabbath
Design de logo via Motörhead

La tendance s’est poursuivie au fil des décennies, avec le « W » emblématique du Wu-Tang Clan, le célèbre logo de Grateful Dead avec sa tête de mort et ses éclairs, et Prince, qui a remplacé son nom de scène par un symbole à un moment donné de sa carrière.

wu-tang clan logo
Design de logo via Wu-Tang Clan
Design de logo via Grateful Dead
prince logo
Design de logo via Prince

Il est indéniable que même aujourd’hui, après des années, les logos de ces groupes restent mémorables. Qu’on les écoute ou pas, beaucoup de gens reconnaissent ces groupes simplement grâce à leurs logos, et ils ont même une idée du style musical et de l’identité du groupe grâce à ces designs également. En outre, nombre de ces logos ont transcendé les groupes et leur son pour devenir une partie de la culture pop.

Pourquoi est-il important pour les musiciens d’avoir un logo reconnaissable et mémorable

Les entreprises se concentrent souvent sur leur logo en premier, afin de se lancer. Et pour de bonnes raisons: c’est un moyen de représenter visuellement son entreprise, de construire un lien fort avec son audience cible et de créer un symbole reconnaissable et mémorable qui pourra être utilisé sur de nombreux éléments de la marque. Un logo fait et dit beaucoup de choses sur l’entreprise qu’il représente. Et il en va de même pour les musiciens.

Les logos musicaux englobent le style, l’esthétique et l’identité musicale des groupes. En plus de faire de la bonne musique, les musiciens ont également besoin de supports promotionnels et de marketing. Il peut s’agir d’œuvres d’art, de produits dérivés ou d’un site web. Avoir un logo de qualité est un bon moyen de garantir la cohérence du style et de l’esthétique de tous ses supports marketing et promotionnels.

Le logo devient alors le point de départ essentiel pour se faire connaître auprès d’une audience plus large, ainsi que pour entretenir un lien fort avec sa musique. Et on a souvent une idée du style d’un groupe en fonction de son logo et ce, avant même d’avoir entendu sa musique.

Qu’est-ce qui rend le logo d’un groupe de musique emblématique ?

Comme pour la plupart des logos, la simplicité, la cohérence et la polyvalence sont des éléments clés pour rendre un logo mémorable et emblématique. Le logo des Rolling Stones, par exemple, a résisté à l’épreuve du temps grâce à sa simplicité et à sa polyvalence. En effet, il peut être utilisé à grande échelle sur scène, mais aussi à petite échelle pour tenir sur un disque ou même sur un bracelet.

Logo des Rolling Stones via Rolling Stones
Logo des Rolling Stones via Wikimedia Commons

Outre les principes de base d’un bon design de logo, la relation et la compréhension entre le designer et les musiciens sont essentiels pour créer un logo réellement emblématique et mémorable.

Le logo des Rolling Stones a été conçu par un étudiant au Royal College of Art de Londres, John Pasche. Mick Jagger voulait une image qui puisse être autonome, quelque chose de simple, quelque chose qui puisse se suffire à soi-même. Mick Jagger lui a montré une illustration de la divinité hindoue Kali, et ce qui l’a frappé, c’est la bouche et la langue qui dépassent. Il y a vu un symbole de protestation, quelque chose que les enfants font, mais aussi quelque chose qui capture l’essence et la personnalité des Rolling Stones.

John Pasche et Mick Jagger ont pu collaborer en rassemblant ce qui les inspirait. Tout comme les autres logos musicaux emblématiques, c’est un logo qui montre et représente véritablement l’identité musicale des musiciens et des groupes en général.

Isol-Aid Homegrown et 99designs par Vista : 5 artistes et leurs tout nouveaux logos

Conscients de l’importance et de la valeur d’un bon design, nous avons voulu aider les musiciens les plus prometteurs à créer des designs distinctifs qui pourraient contribuer à mettre en valeur leur musique, leur style artistique et leur personnalité. Pour ce faire, nous nous sommes récemment associés à Isol-Aid Festival, un festival de musique en ligne et une communauté créés quelques jours après le début de la pandémie de coronavirus afin d’aider les musiciens à promouvoir et à présenter leur musique. Ensemble, nous avons lancé Isol-Aid Homegrown, un programme de 16 semaines offrant un soutien créatif et financier à certains des musiciens et groupes de musique les plus prometteurs d’Australie et de Nouvelle-Zélande (ANZ).

Design via HeidiD.
Design via Kathrin.Fehrl

La plupart de ces musiciens cherchaient à obtenir un logo qui laisserait une impression durable et distincte dans l’esprit de leurs fans, afin de se commercialiser eux-mêmes et leur musique, ainsi que pour l’utiliser comme base pour de futurs designs. Les résultats du projet illustrent bien la corrélation qui existe entre l’expression visuelle et sonore. Voir le pouvoir des collaborations créatives entre les designers et les musiciens a été une véritable source d’inspiration.

Voyez ci-dessous comment les designers s’inspirent de la musique pour transformer les logos en interprétations visuelles. Nous explorons également ce que cela signifie pour les musiciens de voir une représentation visuelle de leur identité prendre vie.

Plusieurs designs de logos musicaux
Plusieurs designs de logos musicaux mis en page par OrangeCrush

1. Charm of Finches

Tout comme les musiciens du monde entier, les sœurs du duo Charm of Finches ont vu toutes les tournées internationales et nationales disparaître sous leurs yeux lorsque le COVID est arrivé en 2020. Afin de continuer à partager leur musique, Madel et Ivy ont utilisé les réseaux sociaux et ont immédiatement commencé à se présenter en direct tous les lundis depuis leur maison.

La pandémie a peut-être freiné notre élan et nos projets de tournées internationales, mais elle a également façonné la trajectoire qui nous a permis de tirer le meilleur parti de nos opportunités en ligne.
- Charm of Finches

Ce duo primé de Melbourne a réussi à établir une forte présence en ligne qui lui a permis d’entrer en contact avec de nouveaux fans dans le monde entier et de continuer à s’ouvrir des portes. Les deux soeurs avaient donc besoin d’une identité visuelle facilement reconnaissable dans un espace de plus en plus fréquenté, mais qui corresponde aussi à leur esthétique élégante, vintage et onirique.

Design de logo pour le groupe de musique Charms of Finches
Design de logo réalisé par EWMDesigns

Les deux sœurs ont collaboré avec le designer EWMDesigns pour créer un nouveau logo destiné à promouvoir leur nouvel album « Wonderful Oblivion ». L’objectif était de créer un mot-symbole qui englobe tous les éléments qui décrivent leur musique, tels que la poésie, les petits détails et les émotions brutes, ainsi que les éléments qui les inspirent, comme la mythologie grecque, l’art nouveau et l’art déco, la mode vintage et Shakespeare.

EWMDesigns décrit son style de conception comme étant sobre, féminin et simple, ce qui correspond exactement à ce que Mabel et Ivy recherchaient. Elle a même déclaré : « Il semblerait que nous ayons pas mal de choses en commun ! J’ai tout de suite su que je voulais les aider à créer un logo. Je pense que nous nous sommes bien entendues. »

La musique fait également partie de son processus créatif : « Je trouve souvent utile d’écouter de la musique pour trouver de nouvelles idées, faire des croquis, et pour créer des concepts préliminaires. »

Charm of Finches a directement utilisé son nouveau logo sur les réseaux sociaux ainsi que sur ses affiches pour annoncer ses porchains concerts.

Logo de Charm of Finches via Charm of Finches
screenshots of Charm of Finches' Instagram and TiTok
Logo de Charm of Finches via Charm of Finches

2. Mizuki

Avant la pandémie de COVID-19, la musicienne Mizuki, adepte du mélange des genres, prévoyait de publier ses œuvres et de prendre des mesures fermes pour établir sa carrière. Comme beaucoup d’autres artistes, ses projets ont été interrompus et elle en a profité pour apprendre et grandir en tant qu’artiste.

Avec le monde qui s’ouvre à nouveau, les projets de Mizuki sont également de retour. Avec un EP prêt à être partagé avec le monde entier, l’artiste avait besoin de composants visuels pour accompagner sa musique, tels que des vidéos, des photoshoots et un logo. L’artiste nippo-australienne dont le nom signifie Belle Lune (美月) savait ce qu’elle attendait de son logo : « quelque chose de cool, de simple et de coloré. Quelque chose qui incorpore ma culture japonaise avec une perspective moderne pour me refléter moi et ma musique. »

Branding musical et design de logo pour le musicien Mizuki
Design de logo réalisé par Dewa Setyadji

Pour concrétiser cette vision, Mizuki a collaboré avec la designer Dewa Setyadji. Ce que Mizuki recherchait est devenu un point de départ pour la designer, qui a poursuivi ses recherches sur les affiches japonaises, le street art, ainsi que les œuvres d’art de musiciens et de groupes d’époques antérieures. Sachant que le logo accompagnera la musique de l’artiste sur une variété de supports tels que des produits dérivés, des plateformes de streaming et des prospectus, la designer s’est attaché à rendre son design « lisible, adaptable et unique. »

La spécialité de Dewa Setyadji est le design d’identité. Ainsi, ses designs sont guidés par la stratégie de branding et le caractère distinctif de l’artiste représenté. C’est pourquoi la quête de Mizuki d’un « mélange de tradition japonaise et de modernité » a été au centre de l’exploration du logo et des couleurs.

logo options for musician mizuki
Différents essais pour le logo de Mizuki réalisé par Dewa Setyadji
color options for musician mizuki
Essais de couleurs pour le logo de Mizuki réalisé par Dewa Setyadji

La musique a également servi d’inspiration : « la musique est un point de départ pour créer des atmosphères. Si je crée une marque classique, j’écoute de la musique classique ou quelque chose d’orchestral. Si je crée une marque moderne et futuriste, j’écoute de la musique électronique, ou quelque chose de similaire.

3. Alice Skye

Alice Skye, une auteure-compositrice-interprète basée à Melbourne, s’attendait à une année 2020 très différente de celle qui s’est finalement déroulée. Son deuxième album devait sortir, elle devait jouer à SXSW et avait une tournée internationale en vue.

Lorsque la réalité des retards et des annulations s’est installée, la musicienne a continué à donner des concerts dès que possible, bien que cela n’ait pas été facile. Écrivant souvent des chansons sur la santé mentale et les émotions, elle voit clairement l’impact de ces dernières années : « Mis à part l’impact financier, l’impact mental de l’attente de spectacles qui n’ont jamais eu lieu ou d’opportunités manquées semble être la partie la plus difficile à gérer. »

Branding musical et design de logo pour l'artiste Alice Skye
Design de logo réalisé par Kerem Sesen

Elle a reporté son attention sur l’écriture de ses chansons et travaille actuellement sur son prochain album. Avoir un logo qui la représente dans le domaine numérique est donc d’autant plus bienvenu. Pour cela, le designer Kerem Sesen s’est mis au travail. Elle a demandé à ce que son logo la représente à 26 ans, jeune mais aussi intemporelle, enjouée mais avec une pointe d’originalité.

Kerem Sesen a été initialement attiré par le projet en raison de son lien avec la musique : « le projet était axé sur la musique, ce qui était une raison plus que suffisante pour que j’accepte. » Le designer a lui-même été DJ et joue actuellement de la basse. Il a écouté de la musique tout au long de son propre processus de création.

4. Bumpy

Jusqu’aux premiers mois de 2020, la musicienne de soul, de jazz et de pop Bumpy était en bonne voie pour mener une belle carrière musicale à part entière. C’est grâce à son dynamisme d’avant la pandémie que l’artiste a réussi à se maintenir à flot. Au début, il était difficile de trouver des moyens de s’exprimer et de communiquer avec son audience en ligne. Avant les fermetures, les performances précédentes de l’artiste autochtone étaient des expériences très intimes, des spectacles assis et pour un public réduit, avec occasionnellement des pistes de danse dans les festivals.

La libération que procure le fait de jouer/créer/collaborer a toujours été étroitement liée à ma santé mentale et à mon expression. Le COVID m’a permis d’explorer la musique dans un cadre différent et de trouver d’autres moyens de me connecter musicalement et de guérir.
- Bumpy

Néanmoins, elle s’est rapidement adaptée aux nouvelles circonstances, en construisant un home studio et en se produisant en ligne. Elle a canalisé son combat dans son travail et s’apprête à sortir de nouveaux titres prochainement. En plus de ses singles, la musicienne espère également sortir un clip, des produits dérivés et un logo pour lier le tout. Elle s’est associée au designer satunusa pour créer un logo qui la représenterait entièrement, elle et sa musique.

Branding musical et design de logo pour musician bumpy
Design de logo réalisé par satunusa

Bumpy voulait mettre en avant son identité et les thèmes qu’elle explore dans sa musique. Selon elle, « ce projet a été créé pour donner du pouvoir aux sentiments doux et vulnérables ». Bumpy a expliqué qu’elle voulait une police unique et personnalisée, ludique et influencée par la soul. Quelque chose qui soit une véritable représentation de sa musique.

Satunusa est designer professionnelle depuis huit ans, mais elle est aussi une artiste aux multiples talents. La designer a ressenti une connexion immédiate avec l’artiste, car elle aime elle aussi écrire des textes, faire du rap et écouter de la musique tout au long du processus de création.

Bumpy a mentionné être ouverte au lettrage à bulles ou en blocs et qu’elle imaginait beaucoup de mouvement, une préférence stylistique qui était en harmonie avec le propre style de satunusa : « je fais du street art depuis plus de dix ans et j’ai incorporé un peu de style graffiti dans la police de ce design. »

5. Yourboymars

La pandémie mondiale s’est avérée être un moment déterminant pour la jeune carrière du rappeur afro-australien Yourboymars. Au cours des deux dernières années, l’artiste a réussi à jouer en live chaque fois que les lockdowns le permettaient, à se constituer une forte audience sur TikTok et à être reconnu à l’international.

Les 18 derniers mois ont été remplis de nombreux défis et d’aubaines pour ma carrière.
- Yourboymars

L’impossibilité de faire des tournées et de voyager a été le principal défi pour le rappeur de 20 ans, car il n’a pas pu établir de liens direct avec l’Australie et le reste du monde. C’est pourquoi il était encore plus important pour lui d’avoir une présence symbolique forte sous la forme d’un logo.

Youngboymars a expliqué vouloir utiliser son nouveau logo pour le lancement prochain de ses produits dérivés. Il voulait quelque chose qui évoque le vintage des années 90, l’esthétique universitaire. Quelque chose « d’audacieux et de masculin ».

Design de logo musical pour Yourboymars
Design de logo réalisé par Kinetec

Les logos musicaux

Un musicien a beaucoup d’atouts pour se rendre mémorable : son son, ses paroles, ses mouvements, son apparence, son style… La liste est presque infinie. Mais le changement est inévitable et la croissance est la bienvenue dans la carrière d’un artiste. C’est pourquoi il est indéniablement important de s’inspirer de l’image de marque et d’avoir un logo qui non seulement représente l’artiste, mais aussi porte son œuvre avec confiance au travers des années.
Lorsque l’on s’occupe d’un branding musical, on voit comment les designers s’inspirent de la musique et transforment les logos en une interprétation visuelle. Un logo adaptable, qui peut être utilisé sur des produits dérivés, des flyers et d’innombrables autres supports, est essentiel pour créer l’identité visuelle et musicale d’un artiste, dans un monde qui oscille encore entre les interactions purement numériques et les interactions en personne.

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