Le « pop art » est un nom qui se lit comme une contradiction. L’art est souvent reconnu pour ses qualités « nobles » et « originales », tandis que la pop est le dinimutif de « populaire ». Mais à bien des égards, le nom de ce mouvement artistique des années 60 résume bien ce qui rend le design pop art si convaincant : il se complaît dans l’ironie et combine ce qui ne devrait pas être combiné.

Un design pop art
Illustration réalisé par OrangeCrush

Bien sûr, la grandeur du design pop art ne se résume pas à son nom accrocheur. C’est un style incroyablement vibrant, audacieux et varié, dont l’attrait perdure depuis des décennies, sans doute pour avoir joué un rôle prépondérant dans la démocratisation des beaux-arts. Dans cet article, nous passerons en revue les origines du mouvement pop art et les nombreuses façons dont cette esthétique est réutilisée de nos jours.

Qu’est-ce que le design pop art ?

Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?, par Richard Hamilton
Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (1956), par Richard Hamilton via Wikimedia Commons

Le design pop art est un mouvement artistique des années 50 et 60, qui s’est largement concentré sur les représentations de l’iconographie populaire de la culture pop américaine. Ces représentations pouvaient être aussi bien littérales, comme les œuvres de Roy Lichtenstein, ou stylisées, comme les collages de Richard Hamilton. Contrairement aux œuvres d’art qui mettaient en valeur la technique spécifique de chaque artiste, le pop art imitait plutôt les designs impersonnels et mécaniques des produits de grande consommation.

Comme tout mouvement artistique, ce qui définit le pop art n’est pas toujours aussi simple que ce qu’on pourrait croire. Tout dépend des thèmes et des sensibilités particulières qui varient inévitablement d’un artiste à l’autre. On retrouve cela dit plusieurs éléments communs à tous les artistes de ce mouvement :

  • Sujets présentant des objets populaires « Americana » (célébrités, publicités, catalogues d’achats, bandes dessinées…)
  • Techniques de production de masse, comme l’impression en demi-teintes
  • Répétition excessive
  • Reproductions d’images en changeant les couleurs
Whaam! (1963), par Roy Lichtenstein
Whaam! (1963), par Roy Lichtenstein via Tate Modern

Bien que tout cela décrive les caractéristiques principales du Pop Art, cela n’explique pas vraiment ce que le Pop Art signifiait à la fois pour ses artistes et pour les passionnés. Comment un mouvement artistique qui reproduit souvent les mêmes images commerciales déjà diffusées à outrance a-t-il réussi à avoir un impact aussi durable ? Pour comprendre cela, il faut examiner le contexte.

Une brève histoire du design pop art

Les origines du pop art

Comme de nombreuses révolutions artistiques, le mouvement pop art a souvent été décrié sous prétexte qu’il ne s’agissait pas vraiment d’art à proprement parler. Et dans une certaine mesure, c’était vrai : reproduire des images disponibles partout était très différent de ce qu’on avait appelé de l’art jusque-là.

Cela dit, aux États-Unis, l’art avait connu une période relativement récente de réalisme, et de naturalisme, où les artistes avaient substitué les personnages religieux ou bourgeois que l’on voyait habituellement dans l’art à des scènes du quotidien avec des gens ordinaires, afin de montrer la vie américaine telle qu’elle était vraiment. Cette tendance a tout de même été contrastée par les mouvements européens modernistes tels que le cubisme, le dadaïsme, et le surréalisme, qui ont été largement accueillis par les Américains à l’occasion de l’Armory Show de 1913 avec consternation et horreur. Theodore Roosevelt lui-même avait d’ailleurs dit, à propos du célèbre artiste français Marcel Duchamp, « il est fou et son imagination aussi ! ». Néanmoins, ces courants artistiques ont tous été des précurseurs indispensables à l’émergence du design pop art, remettant en question les conventions artistiques de l’époque.

La Fontaine de Marcel Duchamp
La Fontaine de Marcel Duchamp (1917) a influencé le design pop art en présentant un objet produit en série, et en donnant la priorité au concept plutôt qu’à la technique de l’artiste. Image via Wikimedia Commons

Le quotidien des Américains avait lui aussi radicalement changé. L’industrialisation avait introduit la production en série, attirant de plus de monde dans les zones urbaines. Plus tard, la fin de la Seconde Guerre mondiale et le boom économique qui a suivi ont entraîné une migration massive vers les banlieues, alors que la population se mettait à la recherche d’une vie résidentielle plus calme.

La publicité se développe également à cette époque et devient un secteur à part entière, aidée par les nouvelles technologies comme la radio et la télévision. On voit alors de plus en plus d’images audacieuses, de slogans et de jingles.

La plupart des images utilisées par la publicité à cette époque (barbecues en famille, femmes au foyer devant le dernier appareil électroménager, un homme en train de déguster un coca après avoir regardé un match de baseball, etc.) reflètent et façonnent la vie de banlieue idyllique bien connue sous le nom de « rêve américain ». En tant que telles, les valeurs de la culture américaine au cours de cette période sont largement liées à la télévision, au cinéma et au consumérisme. Et ces mouvements culturels ont eux aussi posé les bases du pop art.

Design pop art pour une publicité vintage pour Coca Cola
Publicité vintage pour Coca Cola via Pinterest

Les artistes pop art

Bien que ce soient les médias et le consumérisme américains qui aient lancé le pop art, le terme est né au Royaume-Uni dans les années 1950. En Europe, le design pop art a largement servi de réaction à l’influence grandissante de la culture pop américaine par le biais de la publicité.

Design de couverture d'album pour Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, par Peter Blake
Design de couverture d’album pour Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, par Peter Blake via Wikimedia Commons

Les collages de l’artiste britannique Peter Blake, par exemple, associaient souvent l’iconographie des cultures pop américaine et britannique. La pochette qu’il a réalisée pour l’album des Beatles Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band contient une multitude d’icônes culturelles (Bob Dylan, Fred Astaire, Shirley Temple, William S. Burroughs, etc.) bien en vue derrière les protagonistes.

It’s A Man’s World I (1964), par Pauline Boty
It’s A Man’s World I (1964), par Pauline Boty via paulineboty.org
Retroactive II (1963), par Robert Rauschenberg
Retroactive II (1963), par Robert Rauschenberg via Robert Rauschenberg Foundation

Pendant ce temps-là, Pauline Boty, fondatrice du mouvement britannique du pop art, ajoutait régulièrement des portraits publicitaires de célébrités dans ses peintures, les associant à des pétales de rose et à des couleurs vibrantes pour créer une certaine sensualité.

Plus tard, son travail prend un tournant plus critique, notamment dans sa peinture It’s A Man’s World I (1964), qui dépeint des images populaires d’hommes célèbres comme éléments constitutifs du gouvernement et de la guerre.

De l’autre côté de l’Atlantique, les artistes américains représentent leur propre relation avec la publicité omniprésente de l’époque comme le reflet à la fois de leurs idéaux et de la réalité. Tout comme les artistes classiques grecs ont sculpté leurs dieux et leurs héros dans la pierre, les médias américains ont généré de nouvelles normes de beauté.

The Machines (1965), par James Gill
The Machines (1965), par James Gill via Wikimedia Commons

Robert Rauschenberg, l’un des premiers artistes américains du pop art et en quelque sorte le successeur de l’artiste dadaïste « fou » Marcel Duchamp, crée des collages de matériaux mixtes en incorporant des objets abandonnés, un peu comme les artefacts enterrés qui définissent les civilisations perdues. L’une de ses œuvres les plus célèbres est une peinture intitulée Retroactive II (1963), dans laquelle l’artiste a utilisé des techniques de sérigraphie et s’est approprié des photos célèbres, ce qui l’a clairement placé dans la mouvance pop art de l’époque.

James Gill est un autre artiste pop art à avoir utilisé des images de personnalités politiques et d’événements actuels dans son art, mais avec un ton nettement plus critique que ses contemporains. Son œuvre The Machines (1965) montre le président Nixon en train de parler dans des microphones dont les câbles finissent dans les photos d’une guerre meurtrière.

Rosalyn Drexler, à la fois artiste plasticienne et littéraire et lutteuse, crée également ses peintures à partir d’images de collage disparates, appartenant souvent à des affiches de films. Elle peint ensuite par-dessus avec des couleurs vives et minimales.

Lovers (1963), design pop art par Rosalyn Drexler
Lovers (1963), par Rosalyn Drexler via rosalyndrexler.org

Andy Warhol est souvent connu pour avoir été la star du pop art. Il est, finalement, lui-même aussi emblématique que les célébrités qu’il a représentées, et une grande partie de son travail en est venue à représenter le mouvement pop art tout entier. Ses célèbres Campbell’s Soup Cans (1962) ont été reproduites et exposées à maintes reprises. Son oeuvre Marylin Diptych (1962) a été l’une des œuvres pionnières de la sérigraphie pop art, etc.

Andy Warhol’s Campbell’s Soup Cans
Campbell’s Soup Cans (1962), par Andy Warhol via Wikimedia Commons
Andy Warhol’s Marilyn Diptych
Marilyn Diptych (1962), par Andy Warhol via Wikimedia Commons

En somme, le pop art est un mouvement à la fois associé à l’idéologie américaine d’une époque, mais aussi à la contre-culture artistique des années 1960. Néanmoins, son héritage a traversé les âges.

Le design pop art a connu un renouveau particulier dans les années 1980 grâce à Keith Haring, dont les humanoïdes énergiques ont mis l’accent sur la répétition et la reproduction afin de créer un art accessible à tous. Ainsi, ses peintures murales et ses produits pop-shop ont acquis une immense renommée, tout en attirant l’attention du public sur certains problèmes de société comme l’apartheid et la discrimination des personnes queer.

Plus récemment, des artistes comme Takashi Murakami et Banksy ont porté le flambeau du mouvement pop art dans l’ère moderne.

Ignorance = Fear (1989), par Keith Haring
Ignorance = Fear (1989), par Keith Haring via haring.com

Le pop art dans le design contemporain

En fin de compte, le pop art est une esthétique polyvalente que tout designer peut adapter à son travail, quelle que soit la décennie dans laquelle il se trouve. Pour comprendre comment s’y prendre, examinons de plus près quelques designs contemporains qui s’inspirent du mouvement pop art.

Multicolored modern Pop Art logo portraits
Design réalisé par oink! design
Multicolored modern Pop Art portraits
Design réalisé par Digital Man

De nombreux designers recréent l’esthétique pop art en faisant référence à certaines œuvres classiques du mouvement. C’est non seulement l’approche la plus simple, mais c’est aussi celle qui reflète le mieux le concept du mouvement lui-même.

Les designs de Digital Man et de oink !, par exemple, reprennent cette approche et présentent leur logo comme une série de portraits multicolores en hommage au Marilyn Diptych d’Andy Warhol, tout en les ayant adapté à notre époque avec des techniques vectorielles numériques, similaires aux productions en série des années 60.

Alebelka et Monsat, quant à eux, utilisent la répétition et la reproduction pour créer des designs qui rappellent ceux des boîtes de soupe Campbell’s.

Crumpled red can poster design reminiscent of Warhol’s Campbell’s Soup Cans
Design réalisé par alebelka
Repeating Pop Art burger logo pattern
Design réalisé par Monsant
Design pop art pour une couverture de livre
Design réalisé par Alice R

L’approche ci-dessus fonctionne d’autant mieux lorsque les œuvres référencées sont bien connues, et par conséquent, elle a tendance à être plus efficace avec Warhol en particulier qu’avec le pop art en général. Mais le pop art est aussi associé aux années 60 en général, en plus d’être associé à des œuvres et à des artistes spécifiques. Et les artistes en herbe du pop art peuvent choisir de revenir à l’esthétique de cette décennie-là. Alors que la culture pop a radicalement changé au fil des années, les idéaux spécifiques de la publicité vintage sont toujours présents. Le temps a seulement exposé sa nature superficielle.

Les designs réalisés dans ce style mettent en valeur (souvent de manière ironique) le bonheur associé à la vie dans les banlieues aisées des années 1950, comme on peut le voir sur la couverture du livre d’Alice R. L’illustration vintage d’une femme souriante semble avoir été extraite directement d’un ancien magazine, si ce n’est pour le filtre de couleur stylisé. Mais le titre accusateur « Alors, toujours pas mariée ? » donne à ce sourire un ton tout à fait inattendu.

Les superhéros vintage sont un autre élément récurrent du design pop art, en particulier parce qu’ils incarnent la vertu immaculée de l’âge d’or. Tomie O va encore plus loin avec un emballage qui présente non seulement un superhéros, mais aussi un texte vintage et un texte graphique rappelant les catalogues de shopping à distance à l’ancienne.

Design pop art de packaging vintage
Design réalisé par Tomie O

Outre les images qui font directement référence à la culture pop, de nombreux artistes du mouvement pop art ont également incorporé des techniques classiques de production en série dans leur travail, en particulier celles des points en demi-teinte. Ceux-ci rappellent également les pois utilisés dans le travail d’artistes célèbres du Pop Art comme Yayoi Kusama. L’avantage des demi-teintes, c’est qu’elles peuvent insuffler une sensibilité Pop Art de manière subtile, les rendant ainsi adaptables à un certain nombre de designs allant de l’emballage produit au design de logo.

Poster design with comic strip elements and halftones
Design réalisé par Neatlines
Cheese crisp packaging pouch design featuring halftone dots
Design réalisé par lliiaa
Tea packaging pouch design featuring halftone dots
Design réalisé par aina.gomezdesign
Pop Art sticker design featuring polka dots
Design réalisé par Irina_Gallery

Donnez vie à votre design avec le pop art

Le design pop art est un mouvement artistique dynamique et joyeux qui a réussi à perdurer pendant un demi-siècle, ce qui n’est pas surprenant compte tenu de l’impression puissante qu’il véhicule.

Le pop art fait appel à des sensibilités communes avec des images et des techniques familières, tout en reflétant nos désirs, nos idoles, et même nos ordures dans la publicité. Ainsi, si vous avez parfois l’impression que vos designs manquent d’inspiration, pensez au pop art et à ses influences.

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